Perché le sculture di Javier Marín suscitano entusiasmo nello spettatore che davanti a loro non può fare a meno di abbozzare un lievissimo sorriso di soddisfazione? Qual è il potere di attrazione che risvegliano? Da dove viene quella forza di concentrazione che attira l'attenzione dello spettatore? Perché queste figure di argilla hanno suscitato scalpore in un'area in cui la scultura riceve un trattamento discriminatorio rispetto ad altre forme di espressione plastica? Qual è la spiegazione dello straordinario evento?
Rispondere a queste - e molte altre - domande che ci poniamo quando “vediamo” le sculture di Javier Marín non può e non deve essere un'operazione automatica. Di fronte a fenomeni di analoga natura, a dire il vero poco frequenti, è necessario camminare con i piedi di piombo per non cadere in inattesi errori che solo confondono e distolgono l'attenzione dall'essenziale, da ciò che è sostanziale e giusto che sembra essere evidente nell'opera di un autore giovane, ancora in fase formativa, il cui virtuosismo è al di là di ogni dubbio. Il lavoro di Javier Marín incanta, e il fascino che eccita gli spiriti sia dell'osservatore furtivo che del critico severo e freddo dà l'impressione di coincidere, il che fa pensare all'emergere di un artista promettente, dalle enormi potenzialità, su cui meditare con la massima serenità possibile.
Qui ci interessa poco il successo, perché il successo - come direbbe Rilke - è solo un malinteso. Ciò che è vero viene dal lavoro, da ciò che è implicito in esso. In ogni caso, tentare un giudizio estetico implica riconoscere l'intenzione dell'autore e penetrare, attraverso la sua opera, nel senso dell'atto creativo, nella rivelazione dei valori plastici che irradia, nei fondamenti che la sostengono, nel potere evocativo che trasmette e nella maturazione del genio che lo rende possibile.
Nel lavoro di Marín è evidente la necessità di catturare il corpo umano in movimento. In tutte le sue sculture è evidente il desiderio insoddisfatto di congelare certi momenti, certe situazioni e gesti, certi atteggiamenti e ammiccamenti che, stampati nelle figure, puntano alla scoperta di un linguaggio senza dissimulazione, a volte ricaricato, altre mite e sottomesso. , ma un linguaggio che non nega la fattura definita di chi la formula. Il corpo in movimento - inteso come tratto generico del suo lavoro - è privilegiato rispetto a qualsiasi altro valore plastico. Tale esclusività deve essere attribuita al fatto che un'idea dell'uomo è l'oggetto della sua arte, configurando qualcosa come una fisica dell'espressione dalla quale struttura l'insieme del lavoro che ha prodotto fino ad ora.
Le sue sculture sono immagini materializzate, immagini che mancano di supporto nella realtà naturale: non copiano o imitano - né pretendono di farlo - un originale. Prova di ciò è che Javier Marín lavora con un modello. La sua intenzione espressa è di altra natura: riproduce più e più volte, con poche variazioni, la sua concezione, il suo modo di immaginare l'uomo. Si potrebbe quasi dire che Javier incappò in un lampo mentre percorreva i sentieri dell'arte che illuminava l'angolo di una rappresentazione fantastica e, ceduto al suo intuito, spontaneamente, iniziò la marcia ascendente verso la strutturazione di una personalità ormai inconfondibile.
Nella sua opera scultorea c'è una sottile definizione degli spazi in cui si dispiegano i personaggi immaginari. Le sculture non sono modellate per occupare un posto, piuttosto sono formatrici, creatrici degli spazi che occupano: vanno da un interno enigmatico e intimo a un esterno fondante della scenografia che contiene. In quanto ballerine, la contorsione e l'espressione corporea difficilmente accennano al luogo in cui si svolge l'atto, e l'unica suggestione è già quella che sostiene come un incantesimo la struttura spaziale in cui si svolge la rappresentazione, che sia circo o circo. di un senso epico drammatico o di una farsa di umorismo comico. Ma l'operazione creativa dello spazio nell'opera di Marín è chimerica, spontanea e di natura semplice, che mira piuttosto ad andare incontro all'illusorio, senza l'intervento di una volontà intellettuale incline a razionalizzare l'astrazione. Il suo segreto sta nell'offrirsi senza più o più, come dono, come posizione sull'orizzonte visivo con una deliberata intenzione ornamentale e decorativa. Ecco perché senza avere lo scopo di stimolare il pensiero sofisticato, queste sculture riescono ad ammaliare l'uomo artificiale, soggiogato dalla perfezione geometrica e dalla consistenza univoca e precisa dell'algoritmo e degli spazi funzionali e utilitaristici.
Alcuni critici suggeriscono che il lavoro di Marín attinge all'antichità classica e al Rinascimento per elevare la sua particolare visione estetica; tuttavia, mi sembra inesatto. Un greco come Fidia o un rinascimentale come Michelangelo avrebbero notato carenze fondamentali nei torsi di Marín, perché questi semplicemente e semplicemente non possono essere inquadrati nello schema naturalistico sussunto nell'estetica classica. La perfezione classica cerca anche di elevare la natura al dominio olimpico, e la scultura rinascimentale cerca di fissare la trascendenza dell'umano nel marmo o nel bronzo, e in questo senso le opere hanno un forte carattere pio. Le sculture di Marín, al contrario, spogliano il corpo umano di ogni maschera religiosa, rimuovono ogni alone di divinità, ei loro corpi sono terreni come l'argilla di cui sono composti: sono pezzi di temporanea fragilità, meri istanti di un alba furtiva e dissoluzione immediata.
L'inquietante erotismo che irradiano le loro figure si conforma a una tradizione che paradossalmente manca di tradizione, che ignora tutto il passato e diffida del futuro. Queste opere sono il prodotto di una società nichilista, impoverita, consumistica, sclerotica dalla novità che non finisce mai per soddisfarle. Questo mondo di miscredenti di cui tutti facciamo parte, si trova improvvisamente di fronte a un ritratto immaginario e illusorio senza altro supporto che una base di cemento colato, senza altra funzione che quella di ricordare la deliquescenza delle nostre passioni, finalmente eterea e insignificante come il sospiro di essere sempre sull'orlo del cracking e della fatale disintegrazione. Ecco perché l'argilla lavora in questi pezzi che a volte sembrano bronzi o materiali più perenni, ma non sono altro che strutture di terra bruciata, figure deboli sul punto di sgretolarsi e che in questo portano la loro forza e la loro verità, perché alludono all'insicurezza. della nostra attualità, perché ci mostrano la nostra insignificanza, la nostra realtà come corpi cosmici di piccolezza senza precedenti.
Marín è uno scultore deciso a polverizzare la grandezza del corpo atletico forgiatore di miti, e piuttosto, spoglia il limite, mette in sospeso e pone davanti ai nostri occhi il tragico destino amletico dell'uomo contemporaneo minacciato dai suoi stessi impulsi distruttivi. È l'argilla, il mezzo più povero, il più antico e fragile, il materiale che esprime più fedelmente la caducità dell'esistenza, il mezzo più vicino che abbiamo usato per lasciare testimonianza del nostro passaggio attraverso la terra, e che Marín ha usato per prendere il suo posto nel mondo dell'arte.
