Scopri gli antecedenti e i contributi della musica messicana a questa forma di espressione universale di grande importanza.
La storia della musica da concerto messicana ha attraversato vari periodi, correnti estetiche e stili musicali nel corso del XX secolo. Inizia con un periodo romantico tra il 1900 e il 1920, e prosegue con un periodo di affermazione nazionalista (1920-1950), temperato entrambi dalla presenza di altre correnti musicali simultanee; Nella seconda metà del secolo convergono (dal 1960 in poi) diverse tendenze sperimentali e d'avanguardia.
La produzione dei compositori messicani del XX secolo è la più abbondante nella nostra storia musicale e mostra una gamma molto ampia di pratiche musicali, proposte estetiche e risorse compositive. Per riassumere la diversità e la pluralità della musica da concerto messicana durante il XX secolo, è conveniente fare riferimento a tre periodi storici (1870-1910, 1910-1960 e 1960-2000).
La transizione: 1870-1910
Secondo la versione storica tradizionale, ci sono due messicani: quello prima della Rivoluzione e quello che ne è nato. Ma alcuni recenti studi storici mostrano che, sotto diversi aspetti, un nuovo paese iniziò ad emergere prima del conflitto armato del 1910. Il lungo periodo storico di oltre tre decenni dominato da Porfirio Díaz fu, nonostante i suoi conflitti ed errori, una tappa di sviluppo economico, sociale e culturale che ha gettato le basi per l'emergere di un Messico moderno, legato ad altri paesi europei e americani. Questa apertura internazionale è stata la base di uno sviluppo culturale e musicale che si è nutrito di nuove tendenze cosmopolite e ha cominciato a superare l'inerzia della stagnazione.
Ci sono diverse indicazioni storiche che dimostrano che la musica da concerto iniziò a cambiare dopo il 1870. Sebbene il raduno romantico e il lounge continuassero a essere ambienti favorevoli per la musica intima e il gusto sociale per la musica di scena (opera, zarzuela, operetta, ecc.), c'è un graduale cambiamento nelle tradizioni di composizione, esecuzione e diffusione della musica. Nell'ultimo quarto del XIX secolo, la tradizione pianistica messicana (una delle più antiche d'America) si consolidò, si svilupparono la produzione orchestrale e la musica da camera, la musica folk e popolare fu reincorporata nella musica da concerto professionale, e nuovi repertori più ambiziosi nella forma e nel genere (per trascendere i balli ei brevi brani della sala). I compositori si sono avvicinati alla nuova estetica europea per rinnovare le loro lingue (francese e tedesco), ed è stata avviata o proseguita la creazione di una moderna infrastruttura musicale che sarebbe stata successivamente ascoltata nei teatri, nei music hall, nelle orchestre, nelle scuole di musica, ecc.
Il nazionalismo musicale messicano è nato dall'impatto sociale e culturale della Rivoluzione. In vari paesi dell'America Latina, i compositori intrapresero l'indagine di uno stile nazionale verso la metà del XIX secolo. La ricerca dell'identità nazionale nella musica è iniziata con un movimento indigeno romantico in Perù, Argentina, Brasile e Messico, basato su simboli preispanici attraenti per l'opera. Il compositore messicano Aniceto Ortega (1823-1875) ha debuttato la sua opera Guatimotzin nel 1871, su libretto che presenta Cuauhtémoc come un eroe romantico.
Alla fine del XIX secolo e all'inizio del XX, un chiaro nazionalismo musicale era già percepito in Messico e nei paesi fratelli, influenzati dalle correnti nazionaliste europee. Questo nazionalismo romantico è il risultato di un processo di "creolizzazione" o mescolanza musicale tra danze da sala da ballo europee (valzer, polka, mazurka, ecc.), Generi vernacolari americani (habanera, danza, canto, ecc.) E l'incorporazione di elementi musicali locali, espressi attraverso il linguaggio romantico europeo dominante. Tra le opere romantiche nazionaliste ci sono El rey poeta (1900) di Gustavo E. Campa (1863-1934) e Atzimba (1901) di Ricardo Castro (1864-1907).
Le idee estetiche dei compositori nazionalisti romantici rappresentavano i valori delle classi medie e alte del tempo, in accordo con gli ideali del romanticismo europeo (elevare la musica del popolo al livello dell'arte). Si trattava di identificare e salvare alcuni elementi della musica popolare e coprirli con le risorse della musica da concerto. Le numerose musiche da salotto pubblicate nella seconda metà dell'Ottocento presentavano arrangiamenti virtuosistici e versioni (per pianoforte e chitarra) delle famose "arie nazionali" e "danze country", attraverso le quali la musica vernacolare veniva introdotta nelle sale da concerto. concerto e sala famiglia, dall'aspetto presentabile per la classe media. Tra i compositori messicani del 19 ° secolo che hanno contribuito alla ricerca della musica nazionale ci sono Tomás León (1826-1893), Julio Ituarte (1845-1905), Juventino Rosas (1864-1894), Ernesto Elorduy (1853-1912), Felipe Villanueva (1863-1893) e Ricardo Castro. Rosas è diventato famoso a livello internazionale con il suo valzer (Sulle onde, 1891), mentre Elorduy, Villanueva e altri coltivavano la gustosa danza messicana, basata sul ritmo sincopato della contradanza cubana, origine dell'habanera e del danzón.
Eclettismo: 1910-1960
Se qualcosa caratterizza la musica da concerto messicana durante i primi sei decenni del XX secolo, è l'eclettismo, inteso come ricerca di soluzioni intermedie oltre posizioni estreme o verso un'unica direzione estetica. L'eclettismo musicale è stato il punto di confluenza di vari stili e tendenze utilizzati dai compositori messicani, coloro che hanno coltivato più di uno stile musicale o corrente estetica durante la loro carriera creativa. Inoltre, molti compositori hanno cercato il proprio stile musicale attraverso l'ibridazione o il mix stilistico, sulla base delle varie correnti estetiche che hanno assimilato dalla musica europea e americana.
In questo periodo, è apprezzato che la maggior parte dei compositori messicani abbia seguito un percorso eclettico, che ha permesso loro di avvicinarsi a vari stili combinando elementi musicali nazionali o di altro tipo. Le principali tendenze coltivate nel periodo 1910-1960 furono, oltre al nazionalista, post-romantico o neo-romantico, impressionista, espressionista e neoclassico, oltre ad altri eccezionali, come i cosiddetti microtonalismo.
Durante la prima metà del XX secolo, la musica e le arti non sono state immuni alla grande influenza esercitata dal nazionalismo, forza ideologica che ha aiutato il consolidamento politico e sociale dei paesi latinoamericani alla ricerca della propria identità culturale. Sebbene il nazionalismo musicale abbia diminuito la sua importanza in Europa intorno al 1930, in America Latina continuò come una corrente importante fino al 1950. Il Messico post-rivoluzionario favorì lo sviluppo del nazionalismo musicale basato sulla politica culturale applicata dallo stato messicano in tutti i paesi. Arts. Ancorate all'estetica nazionalista, le istituzioni culturali ed educative ufficiali hanno sostenuto il lavoro di artisti e compositori e hanno promosso il consolidamento di una moderna infrastruttura musicale basata sull'insegnamento e la diffusione.
Il nazionalismo musicale È costituito da assimilazione o ricreazione della musica popolare vernacolare da parte di compositori di musica da concerto, direttamente o indirettamente, evidente o velato, esplicito o sublimato. Il nazionalismo musicale messicano era incline alla mescolanza stilistica, il che spiega l'emergere di due fasi nazionaliste e vari stili ibridi. Il nazionalismo romantico, diretto da Manuel M. Ponce (1882-1948) Durante i primi due decenni del secolo, ha sottolineato il salvataggio della canzone messicana come base di una musica nazionale. Tra i compositori che seguirono Ponce in questo modo c'erano José Rolón (1876-1945), Arnulfo Miramontes (1882-1960) e Estanislao Mejía (1882-1967). Il nazionalismo indigeno aveva come leader più notevole Carlos Chávez (1899-1978) per i prossimi due decenni (Dal 1920 al 1940), Un movimento che ha cercato di ricreare la musica preispanica attraverso l'uso della musica indigena del tempo. Tra i tanti compositori di questa fase indigena troviamo Candelario Huízar (1883-1970), Eduardo Hernández Moncada (1899-1995), Luis Sandi (1905-1996) e il cosiddetto "Gruppo di quattro", formato da Daniel Ayala (1908-1975), Salvador Contreras (1910-1982) ), Blas Galindo (1910-1993) e José Pablo Moncayo (1912-1958).
Tra gli anni '20 e '50 emersero altri stili nazionalisti ibridi come il nazionalismo impressionista, presente in alcune opere di Ponce, Rolón, Rafael J. Tello (1872-1946), Antonio Gomezanda (1894-1964) e Moncayo; il nazionalismo realistico ed espressionista di José Pomar (1880-1961), Chávez e Silvestre Revueltas (1899-1940)e fino a Il nazionalismo neoclassico praticato da Ponce, Chávez, Miguel Bernal Jiménez (1910-1956), Rodolfo Halffter (1900-1987) e Carlos Jiménez Mabarak (1916-1994). Alla fine degli anni Cinquanta un evidente esaurimento delle diverse versioni del Nazionalismo musicale messicano, dovuto in parte all'apertura e alla ricerca dei compositori verso nuove correnti cosmopolite, alcuni dei quali si sono formati negli Stati Uniti e nell'Europa del dopoguerra.
Sebbene il nazionalismo musicale abbia prevalso in America Latina fino agli anni '50, dall'inizio del XX secolo sono emerse altre correnti musicali, alcune aliene e altre vicine all'estetica nazionalista. Alcuni compositori erano attratti dall'estetica musicale opposta al nazionalismo, riconoscendo che gli stili nazionalisti li conducevano lungo la facile via dell'espressione regionalista e lontano dalle nuove tendenze internazionali. Un caso unico in Messico è quello di Julián Carrillo (1875-1965), la cui vasta opera musicale è passata da un impeccabile romanticismo germanico al microtonalismo (suoni inferiori al mezzo tono), e la cui teoria del Suono 13 gli è valso fama internazionale. Un altro caso speciale è quello di Carlos Chavez, che, dopo aver abbracciato con fervore il nazionalismo, trascorse il resto della sua carriera di compositore esercitandosi, insegnando e diffondendo le correnti più avanzate della musica d'avanguardia cosmopolita.
Il (neo / post) romanticismo Ha avuto successo dall'inizio del XX secolo, essendo uno stile fortunato tra il gusto del pubblico per la sua efficienza tonale e l'evocazione sentimentale, nonché tra i compositori per la sua versatilità verso la miscelazione stilistica. Tra i primi compositori neo-romantici del secolo (Tello, Carrasco, Carrillo, Ponce, Rolón, ecc.), Alcuni lo furono per tutta la vita (Carrasco, Alfonso de Elías), altri cessarono di esserlo più tardi (Carrillo, Rolón) e alcuni hanno cercato la combinazione di questo stile con altre risorse compositive, nazionaliste, impressioniste o neoclassiciste (Tello, Ponce, Rolón, Huízar). La novella influenza francese dell'impressionismo all'inizio del secolo (Ponce, Rolón, Gomezanda) ha lasciato un segno profondo nel lavoro di alcuni compositori (Moncayo, Contreras) fino agli anni '60. Qualcosa di simile è accaduto con altre due correnti che coesistevano con la precedente: espressionismo (1920-1940), con la sua ricerca di un'intensità espressiva oltre l'equilibrio formale (Pomar, Chávez, Revueltas), e neoclassicismo (1930-1950), con il suo ritorno alle forme e ai generi classici (Ponce, Chávez, Galindo, Bernal Jiménez, Halffter, Jiménez Mabarak). Tutte queste correnti hanno permesso ai compositori messicani del periodo 1910-1960 di sperimentare lungo le strade dell'eclettismo musicale, fino a giungere a un'ibridità stilistica che ha portato alla convivenza di molteplici identità, i vari volti della nostra musica messicana.
Continuità e rottura: 1960-2000
Durante la seconda metà del 20 ° secolo, la musica da concerto latinoamericana ha sperimentato tendenze di continuità e rottura che hanno dato origine a una varietà di linguaggi, stili ed estetica musicali nella pratica compositiva. Oltre alla pluralità e al fiorire di correnti diverse, c'è anche una graduale tendenza al cosmopolitismo nelle grandi città, più aperte alle influenze dei movimenti musicali internazionali. Nel processo di assimilazione della "nuova musica" dall'Europa e dagli Stati Uniti, i compositori latinoamericani più progressisti hanno attraversato quattro fasi nell'adozione di modelli esterni: sscelta qualitativa, imitazione, ricreazione e trasformazione (appropriazione), in base agli ambienti sociali e alle esigenze o preferenze individuali. Alcuni compositori si sono resi conto di poter contribuire dai loro paesi latinoamericani alle tendenze musicali cosmopolite.
A partire dal 1960, nuove correnti musicali di natura sperimentale apparvero nella maggior parte dei paesi americani. I compositori che si sono uniti alle tendenze emergenti hanno presto scoperto che non sarebbe stato facile ottenere l'approvazione ufficiale per pubblicare, eseguire e registrare la loro musica, spingendo alcuni creatori latinoamericani a stabilirsi in Europa, Stati Uniti e Canada. Ma questa difficile situazione iniziò a cambiare dagli anni Settanta in Argentina, Brasile, Cile, Messico e Venezuela, quando i compositori del "nuova musica" Trovarono il sostegno di organizzazioni internazionali, formarono associazioni nazionali, crearono laboratori di musica elettronica, insegnarono nelle scuole di musica e nelle università e la loro musica iniziò a essere diffusa attraverso festival, raduni e stazioni radio. Con queste strategie si è attenuato l'isolamento dei compositori d'avanguardia, che d'ora in poi potevano interagire e godere di condizioni migliori per creare e diffondere la cosiddetta musica contemporanea.
La rottura con le correnti nazionaliste iniziò in Messico alla fine degli anni '50 e fu guidata da Carlos Chávez e Rodolfo Halffter. La generazione della rottura ha prodotto notevoli compositori di tendenze plurali che oggi sono già "classici" della nuova musica messicana: Manuel Enríquez (1926-1994), Joaquín Gutiérrez Heras (1927), Alicia Urreta (1931-1987), Héctor Quintanar (1936) e Manuel de Elías (1939). La generazione successiva ha consolidato le ricerche sperimentali e all'avanguardia con creatori importanti come Mario Lavista (1943), Julio Estrada (1943), Francisco Núñez (1945), Federico Ibarra (1946) e Daniel Catán (1949), tra molti altri. Gli autori nati negli anni '50 hanno continuato ad aprirsi a nuovi linguaggi ed estetiche, ma con una chiara tendenza all'ibridazione con correnti musicali molto diverse: Arturo Márquez (1950), Marcela Rodríguez (1951), Federico Álvarez del Toro (1953), Eugenio Toussaint (1954), Eduardo Soto Millán (1956), Javier Álvarez (1956), Antonio Russek (1954) e Roberto Morales (1958) , tra i più importanti.
Le correnti e gli stili della musica messicana dal 1960 al 2000 sono diversi e plurali, oltre a quello che ha rotto con il nazionalismo. Ci sono diversi compositori che possono essere collocati all'interno di una sorta di neo-nazionalismo, a causa della loro insistenza nel coltivare stili legati alla musica popolare mescolati a nuove tecniche: tra questi Mario Kuri Aldana (1931) e Leonardo Velázquez (1935). Alcuni autori si sono avvicinati a una nuova tendenza neoclassica, come nel caso di Gutiérrez Heras, Ibarra e Catán. Altri compositori si sono orientati verso una tendenza chiamata "Rinascimento strumentale", che cerca nuove possibilità espressive con strumenti musicali tradizionali, di cui sono i più importanti coltivatori Mario Lavista e alcuni dei suoi discepoli (Graciela Agudelo, 1945; Ana Lara, 1959; Luis Jaime Cortés, 1962, ecc.).
Ci sono diversi creatori musicali che sono stati coinvolti in nuove correnti sperimentali, come il cosiddetto "Nuova complessità" (ricerca della musica complessa e concettuale) in cui si è distinto Julio Estrada, così come il musica elettroacustica e la potente influenza di informatica musicale dagli anni ottanta (Álvarez, Russek e Morales). Nell'ultimo decennio, alcuni compositori nati negli anni '50 e '60 stanno sperimentando tendenze ibride che ricreano la musica urbana popolare messicana e la musica etnica in un modo nuovo. Alcune di queste partiture presentano tratti neotonali e un'emozione diretta che sono riusciti ad affascinare un vasto pubblico, lontano dagli esperimenti d'avanguardia. Tra i più coerenti ci sono Arturo Márquez, Marcela Rodríguez, Eugenio Toussaint, Eduardo Soto Millán, Gabriela Ortiz (1964), Juan Trigos (1965) e Víctor Rasgado (1956).
Tradizione e rinnovamento, pluralità e diversità, eclettismo e versatilità, identità e molteplicità, continuità e rottura, ricerca e sperimentazione: sono alcune parole utili per comprendere una lunga storia musicale che, iniziata più di cento anni fa, ha sviluppato la creatività musicale del Messico fino a raggiungere un luogo di privilegio tra i paesi americani, nonché apprezzabile riconoscimento mondiale nelle molteplici registrazioni (nazionali e internazionali) che le opere dei nostri compositori hanno meritato, i vari volti della musica messicana del XX secolo.
Fonte: México en el Tiempo n. 38 settembre / ottobre 2000
